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mirror house

ARQUITECTURA Y PAISAJE: REFLEJOS DEL ENTORNO

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Proliferan, y lo han hecho siempre, las obras de arquitectura que exhalan grandilocuencia, que se erigen como hitos monumentales, por su tamaño, escala, materialidad, lenguaje formal, magnificencia, o por todo a la vez.

No es algo que ocurra ahora, es una constante presente en todas las épocas y en casi todas las culturas. Esas obras colosales, monumentales, inabarcables y eternas han existido siempre y por motivos más o menos parecidos. Se han proclamado como símbolos de poder, ya sea político, religioso o económico, han impreso su huella en la historia y han materializado un manifiesto ineludible del poderío de quienes tuvieran el cetro para gobernar su paradigma dentro del mundo en cada caso: dioses, faraones, reyes, dictadores, magnates, gobiernos, empresas.

Vamos a explorar el otro extremo. ¿Qué pasa cuando una obra intenta pasar desapercibida? ¿qué motivos pueden llevar a un edificio a esconderse, a intentar decir lo menos posible, a camuflarse en el paisaje, generando un juego visual en el que la arquitectura emerge en silencio y decide reflejar un entorno al que no hay manera de quitar protagonismo?

Hemos escogido cuatro obras que han llamado nuestra atención por la manera en que se ha intencionado la elección de los volúmenes y la materialidad de las superficies y que han derivado en un resultado que permite habitar el paisaje y a la vez dejarlo desplegarse en todo su esplendor.

Mirror Houses, Bolzano (Italia)

Peter Pichler

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Dos viviendas de uso vacacional en plenos Montes Dolomitas en el tirol italiano, levitan sobre el terreno, se abren aterrazadas hacia las vistas y el sol de oriente, y cierran la cara oeste, que busca más privacidad y se protege del sol de la tarde, con dos superficies de cristal espejado que las confunden con el paisaje y devuelven el reflejo cambiante del cielo y la montaña.

Casa Invisible

Delugan Meissl Associated Architects

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Este modelo de Casa Invisible es una unidad de vivienda prefabricada pensada para implantar en cualquier emplazamiento. Tiene estructura de madera y constituye un módulo aditivo que permite flexibilidad en el armado. Su cerramiento está compuesto de paneles ciegos con la cara exterior espejada,  que transforman la vivienda en una gran pantalla que proyecta la belleza del paisaje.

Treehotel Mirrorcube, Harads (Suecia)

Tham & Videgård

Photos from TreeHotel, Harads, Arctic Sweden mirror_cube_2

En los bosques de Suecia, en el valle del río Lule, esta empresa hotelera ofrece una innovadora experiencia valiéndose de un entorno natural inmejorable. Un cubo de espejo de 4 x 4 x 4 metros encaja entre los árboles. El interior está revestido de abedul y al refugio se llega por un puente colgante de 12 metros de longitud. Cada cara devuelve una postal diferente y dinámica: el bosque, el valle, el cielo, la pradera.

Mirrored Home, Varsovia (Polonia)

Reform Architekt

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Esta vivienda unifamiliar en las afueras de Varsovia se compone de dos volúmenes principales; la primera planta se eleva como un prisma blanco rectangular de reminiscencias corbusieranas. La planta baja, con sustracciones revestidas en madera y los paramentos que limitan el perímetro cubiertos de espejo generan un interesante juego cercano a la ilusión óptica en que surgen diferentes percepciones: el volumen blanco vuela sostenido por la continuidad del bosque; el salón aparece impredecible, como una foto impresa en el paisaje; el acceso se dibuja onírico como punto de fuga de una perspectiva virtualizada por el reflejo.

diseño de tiendas

DISEÑO DE TIENDAS: EXPERIENCIA Y CONSUMO

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Uno de los puntos de la lista de consejos del Dr. Ben-Shahar, a cargo del concurrido curso de la Universidad de Harvard que enseña a sus participantes cómo ser más felices, recomienda que si vamos a gastar nuestro dinero, elijamos comprar experiencias, no cosas.

Si nos ponemos a pensar, los lugares en los que compramos, y visitamos de manera recurrente, son aquellos en los que consumimos mucho más que el producto en cuestión. Consumimos una experiencia completa, desde que entramos a la tienda. Y esa experiencia está formada por múltiples componentes que apelan a nuestros sentidos, si es a todos, mucho mejor (aquí los que venden productos que podemos ingerir, degustar y saborear corren con ventaja).

A continuación, una selección de proyectos en que la arquitectura aporta una parte importante de la experiencia del usuario, presentando el producto de consumo en medio de una situación visual y espacial, en la que se genera un clima del que el visitante quiere indefectiblemente formar parte. Creo que hay mucho de escenográfico en esta sensación, y se apela al juego psicológico de envolver al desprevenido espécimen que entra en el juego, en un rol y estado mental y anímico que cree se llevará a casa si consigue hacerse con alguno de los preciados objetos que descansan sugerentes a su alrededor.

Prada Store, Tokio (Japón)

Herzog & de Meuron

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La tienda de Prada de Herzog & de Meuron en Tokio se erige como un producto de la colección en sí mismo. La estructura y la piel superpuesta se componen de una grilla romboidal que sostiene y deja ver, se viste y reviste como un velo, y se expresa como una superficie cóncava y convexa, permeable y reflectante, atractiva y dinámica, que bien podría ser un objeto de piel, y a la vez una prenda translúcida. Herzog y de Meuron siempre se han caracterizado por su innovadora manera de utilizar los materiales, y hacerlos decir algo distinto a lo preestablecido. Desfilan con naturalidad entre lo hiper-natural y lo super-artificial: madera, cuero, resina o fibra de vidrio. El resultado, además de expresar la artificial naturalidad del mundo en que vivimos, exalta a la perfección los valores de la marca.

Stuart Weitzman boutiques

Zaha Hadid

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Zaha Hadid Architects diseña las tiendas de zapatos de Stuart Weitzman para Milán, Hong Kong, Roma y Nueva York. El desafío consiste en que formen parte del mismo entramado, expresen la estética de ZHA, los valores de la marca que representan y las características propias de su emplazamiento, sin perder coherencia. El mundo globalizado da cada vez con más soltura permiso para aterrizar los mismos objetos de consumo, piezas de diseño y obras de arquitectura en todos los rincones del planeta sin gran preocupación de si pisan un ala de mariposa que cambie el curso de la historia. Existe en estas tiendas un interesante juego de escalas, formas y materiales que genera un dialogo en que el lenguaje de diseño del zapato, el mobiliario y el espacio contenedor se alimentan mutuamente.

Apple Store, Hangzhou (China)

Norman Foster

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No es casualidad que el Apple Store de mayor superficie hasta el momento esté en China y haya sido diseñado por Norman Foster. Los lineamientos estéticos de la marca y la identidad en los proyectos de Foster + Partners tienen mucho en común: simplicidad, innovación tecnológica y belleza purista en la morfología, el diseño y la materialidad. El lema de Apple: “Think different” sintetiza muy claramente la estrategia de venta basada en la experiencia. El consumidor compra una filosofía de vida, una nueva imagen de sí mismo, una sensación placentera cada vez que compra un iProduct.

Duvetica Store, Milán (Italia)

Tadao Ando

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El minimalismo y la pureza de los espacios de Tadao Ando, la limpia crudeza de sus superficies de hormigón desnudo, la sosegada sensación que transmiten las geometrías más simples y los materiales más nobles, confiere a Duvetica el marco perfecto para expresar el protagonismo del color, el diseño, las telas y las formas de sus prendas. Uno de los preceptos fundamentales de la teoría minimalista está en conseguir que el espacio permanezca en silencio para que el contenido pueda hablar y se convierta en el centro de atención.

escuela flotante

ARQUITECTURA PARA EDUCAR

By | Arquitectura | No Comments

En el Día Internacional contra la Esclavitud Infantil y recordando los artículos de la Declaración de los Derechos del Niño, aprobada por la Organización de las Naciones Unidas en 1959, dedicamos el artículo de hoy a aquellos espacios diseñados para asegurar y promover la formación y el desarrollo integral de los niños, brindándoles cobijo, protección, motivación, estimulación intelectual y bienestar físico y emocional: la arquitectura educacional.

Creo que pensando en la arquitectura diseñada para educar podemos explorar diferentes enfoques. Funcionalmente el programa es muy simple, el elemento nuclear es el aula, y este es el germen que debe nutrir las demás decisiones. Muchas escuelas en el mundo nacen de la decisión y la posibilidad de transformar en aula un espacio cualquiera y generar allí el ambiente propicio. Confío firmemente en que la arquitectura sí puede tener una finalidad social, y puede resolver algunos problemas. También es cierto que sirve a fines económicos, políticos, comerciales y especulativos. Pero en ciertos casos cumple una valiosa misión. Los otros días leía las palabras de un antiguo profesor mío del primer año de diseño arquitectónico, Martín Sáez, que exponían una realidad interesante respecto de la ciudad. Decía que “las ciudades no son sus edificios, sino lo que queda entre ellos. Son aquellos lugares que sirven para el encuentro y donde las relaciones personales se logran desarrollar”. En las escuelas ocurre lo mismo, lo verdaderamente importante es el intersticio, aquel espacio entre sus muros que hace posible que los niños encuentren el entorno y las personas adecuadas que les ayuden a desarrollar todo su potencial.

He seleccionado 4 proyectos que siento representan en distinta medida la idea de que la arquitectura puede tener un fin social, puede cambiar las cosas, puede solucionar problemas, puede pensarse y construirse de manera inclusiva.

 

Makoko floating School en Lagos, Nigeria

NLE arquitects

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Esta maravillosa escuela flotante forma parte de un proyecto por fases que incluirá más estructuras similares con fines educativos, laborales y habitacionales. Para su construcción se han utilizado los materiales del lugar, mano de obra local y métodos naturales para favorecer la ventilación, el control del asoleamiento y la recogida de aguas de lluvia.

 

Escuela portátil, en la frontera entre Birmania y Tailandia

ONG Building Trust

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Este prototipo de escuela móvil permite trasladarla de un sitio a otro según las necesidades de las comunidades migratorias o de refugiados. El sistema tiene un diseño modular que permite adaptarlo a las necesidades particulares de cada emplazamiento. Está construido aprovechando los recursos locales y puede ser armado con facilidad. Utiliza muros de bambú, fundaciones de neumáticos en desuso rellenos de grava y techos textiles que minimizan la ganancia de calor y el ruido de la lluvia.

 

Escuela de adobe en Gangouroubouro, Mali

LEVS Architecten

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Esta escuela de educación primaria en Mali fue construida con los métodos que dicta la tradición vernacular. Los bloques que componen los muros fueron fabricados por la comunidad con tierra apisonada. La cubierta vuela sobre el frente más asoleado resolviendo la circulación y generando un espacio exterior de uso comunal.

 

Huerta escuela en Vietnam

Vo Trong Nghia architects

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Este centro público de educación preescolar ha sido construido por y para el barrio obrero en que se sitúa. Con materiales de bajo coste y gran eficiencia térmica, el edificio resuelve las cubiertas dibujando una espiral de huertos urbanos y zonas ajardinadas. Se erige como un modelo de sostenibilidad tanto en la construcción como en el uso, favoreciendo las actividades al aire libre y promoviendo una conciencia de autoabastecimiento y cuidado del entorno natural.

cubierta inclinada

REIVINDICANDO LA CUBIERTA INCLINADA

By | Arquitectura | No Comments

Cuando egresé de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires, allá por la primavera austral de 2001, había muchas cosas que era consciente que no había aprendido,  y creía eran básicas para la formación de un arquitecto, pero supuse que debería explorar esos territorios por mi propia cuenta dependiendo que cómo trazara el camino de mi futuro profesional. Había otras muchas cosas que sí había aprendido, ya que año tras año los profesores de las asignaturas troncales asociadas al diseño arquitectónico se habían encargado de inocularlas en nuestras ingenuas y jóvenes mentes, desprovistas de formación estética y criterios rigurosos para emitir ningún juicio de valor acerca de una obra de arquitectura. Una de las cosas que había quedado instaurada era la prohibición del uso de la cubierta inclinada.

Voy a explicarme, porque realmente había no un motivo sino muchos detrás de este mensaje, y había fundamentos de todo tipo: técnicos, funcionales, estéticos, socio-económicos, y podríamos decir hasta ideológicos y filosóficos. Las cubiertas inclinadas en Buenos Aires se usaban sin cesar y en abundancia, sin que hubiera un motivo válido que avalara la decisión. La única razón era que tenían asociado un “status”. Las zonas residenciales y viviendas unifamiliares de los barrios cerrados dibujaban con orgullo perfiles angulares cubiertos de tejas de toda clase y color, aunque técnica y constructivamente el clima de  la ciudad no las necesitara. El techo era un símbolo de poder económico y social que tenía sus orígenes en la sobrevaloración de las casas americanas, las villas europeas, o los chalets de lujo.

Cuando el Movimiento Moderno empezó a reproducir sus volúmenes puristas, paralelepípedos revocados en blanco, desprovistos de toda ornamentación y rematados con una cubierta plana,  se encontró con el mismo problema. La gente no se sentía representada por esa estética. Querían vivir en una casa que remitiera a la imagen que tenían impregnada en la mente, una bonita casa con techo inclinado. La misma casa que dibuja un niño y que es la primera asociación que tenemos materializada y fijada en las neuronas: una casita con una ventana en forma de ojo de buey, con chimenea y todo.

Habiendo recibido toda la información necesaria para comprender que los techos de tejas en Buenos Aires no tenían ningún sentido: ni nieva ni llueve tanto como para que una leve pendiente en la terraza no lo solucione; solo demostraban una gran ignorancia por parte de la gente. Las cubiertas inclinadas quedaron automáticamente erradicadas de nuestro repertorio de elementos de diseño arquitectónico. Casi que se nos prohibieron, ya sin más, sin importar si pudieran en algún caso tener una razón de ser, aunque solo fuera técnica o incluso necesaria si el emplazamiento era en los  Alpes suizos.

Quizás el rechazo por la cubierta inclinada había llegado al punto de ser un no porque no, igual de ridículo que el sí porque sí que las había llevado a ocupar en tal porcentaje nuestro paisaje urbano.

A continuación, y como un ejercicio de reivindicación y de reeducación de mi valoración estética en torno a los “techos a dos aguas”, presento brevemente 4 obras en las que la cubierta inclinada se expresa libremente, algunas veces con un por qué, otras por simple decisión morfológica, unas casi icónicas, a veces lúdicas, o escultóricamente protagónicas.

 

N House, Root Architects

Fukuoka, Japón

La vivienda, ubicada en un terreno inclinado, aprovecha al máximo las dimensiones y posibilidades del emplazamiento a partir de 2 volúmenes revestidos en madera que se atreven a copiar la pendiente de la calle.

 

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Residence Blanco, BURO II & ARCHI+I

Bélgica

Estas dos casas vestidas de aluminio blanco se adaptan a la escala de las residencias vecinas a la vez que se erigen como abstracciones formales del habitar.

 

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Miu Miu Store, Herzog & de Meuron

Tokyo, Japón

Justo enfrente del Prada Epicenter, también de Herzog & de Meuron, la tienda de moda italiana Miu Miu invita a entrar a través de la sugerente cubierta pulida, que se descuelga entreabierta sobre el escaparate.

 

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Blooming House, Iroje KHM

Seúl, Corea del Sur

Esta residencia unifamiliar en Seúl germina como un volumen en floración. Entre sus múltiples pliegues, el poliedro genera patios, jardines, accesos y aventanamientos.

 

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Hufton+Crow

HUFTON+CROW, FOTOGRAFÍA DE ARQUITECTURA

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Nick Hufton y Allan Crow han conseguido un lugar privilegiado entre los fotógrafos de arquitectura. No hubieran soñado, durante su juventud en Macclesfield, al norte de Inglaterra, ni durante los años en que trabajaron como ayudantes para el fotógrafo Chris Gascoigne, que acabarían en 2003 montando su propio estudio en Londres y viajando por el mundo a fotografiar las obras de los despachos de grandes arquitectos como Zaha Hadid, Herzog & de Meuron, Frank Gehry, Renzo Piano, OMA y Foster + Partners, entre otros.

En 2014 ganaron el premio al Fotógrafo del Año, otorgado por Arcaid Images, con su fotografía del interior del Centro Heydar Aliyev de Zaha Hadid en Azerbaijan, antigua región de la disuelta Unión Soviética.

Allan Crow tiene una formación en Diseño y Arquitectura del Paisaje, y Nick Hufton en fotografía. Aunque confiesan trabajar cada uno por su cuenta, hacer sus propias tomas y trabajo de retoque y postproducción, describen como una parte fundamental de su labor, el momento en que cada uno expone su trabajo terminado al otro. Es en este momento en que se complementan y se aportan mutuamente una mirada ajena, sugerente y enriquecedora.

Nutridos de un entorno profesional en que los fotógrafos de arquitectura seguían aferrados al gran formato y a los equipos analógicos, Hufton y Crow se dejaron llevar por su intuición y migraron al mundo digital. Eso les otorgó una enorme libertad y flexibilidad que se ve claramente reflejada en su producción. La fotografía digital permite transmitir la espontaneidad del momento, capturar muchos más instantes en menos tiempo, componer varias tomas para conseguir una imagen del formato y tamaño que se desee o se necesite según el proyecto y las necesidades del cliente. Capturar en un mismo encuadre distintos momentos, interacciones humanas, y condiciones de luz permite conseguir una situación de inusitada expresividad, una imagen que cuenta una historia, algo impensable sin la posibilidad que el formato digital ofrece al fotógrafo al hacerlo dueño de la luz y del tiempo.

Así como se animaron a sumergirse en el mundo digital cuando todos lo rechazaban, y ampliaron el espectro de lo posible, dejando que la cámara ofreciera mucho más de lo que el ojo ve, y expresara un espacio arquitectónico como nunca podríamos vivenciarlo en directo, posiblemente disfrutemos en breve de sus últimos trabajos experimentando con drones, y explorando nuevos puntos de vista más allá de los límites espaciales a los que un fotógrafo, incluso el más audaz y creativo, podría llegar.

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ZAHA HADID, O LA INVENCIÓN DEL INFINITO

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Lo primero que me viene a la mente cuando pienso en Zaha Hadid es su rostro. Casi como la imagen mental asociada al signo lingüístico cuando pienso: Salvador Dalí. Aunque en ambos casos, detrás de esa primera impresión fotográfica, hay una obra colosal de una poderosa fuerza expresiva, los personajes mismos son parte de la obra. Zaha Hadid es una expresión ideológica y arquitectónica en sí misma.

Nació en Bagdad, Irak, en 1950 y se graduó en matemáticas en el Líbano. Con 20 años emigró al Reino Unido a estudiar arquitectura y acabó en el estudio de Rem Koolhaas. Con 30 años ya había establecido su propia oficina en Londres y 24 años después recibía el mayor galardón al que puede aspirar un arquitecto: el premio Pritzker, que nunca antes había sido otorgado a una mujer.
Cuando se le pide a alguno de los más de 350 arquitectos que trabajan para ella que defina en una palabra la experiencia de formar parte de Zaha Hadid Architects, ellos dicen: creatividad, dinamismo, visión, singularidad, libertad, energía, ambición.

De repente la arquitectura y la filosofía detrás de la obra de Zaha me han hecho pensar en una cinta de Moebius, en la que el proceso de diseño se encuentra en algún lugar de una banda continua que se curva y fluye, y se compone de diminutas partes que materializan un todo perfecto y sin límites. Dentro de esa cinta están sus diseños, en todas las escalas. Intervenciones urbanas, edificios, espacios interiores, muebles, productos de diseño industrial y accesorios de moda. La arquitectura y el urbanismo se encontrarían en la cara interior de la cinta; su dialogo con el ser humano es inmersivo, el usuario se encuentra dentro del objeto-espacio. En el diseño de productos, el usuario está fuera del objeto, y en el diseño del moda y accesorios, el objeto pasa a ser parte del usuario, alojándose en el imperceptible borde entre el adentro y el afuera de esa envolvente del infinito.

Nunca me identifiqué con la teoría de los estilos, ni con colocar etiquetas a las personas o a sus obras. Prefiero preguntarme por qué piensan lo que piensan y hacen lo que hacen; y en todo caso por qué se les encasilla en una determinada teoría o movimiento. Sí creo que podemos encontrar muchos territorios en que los diseños de Zaha Hadid deconstruyen la realidad y lo establecido y van más allá de los límites. Operan en el origen de la forma y devuelven algo pensado desde otro lugar. Zaha comenta la influencia que ha recibido de la obra del suprematismo ruso y cómo el camino hacia la abstracción ha alimentado profundamente su creatividad. Cuando partimos de la nada, el universo se vuelve infinito, las posibilidades se multiplican y no existen límites formales, espaciales, ni funcionales.

La obra de Zaha Hadid se alimenta, expresa, y a la vez genera y define la realidad en todo su dinamismo y complejidad. La innovación y los desafíos morfológicos y técnicos son casi una obsesión en su manera de trabajar. Ha redefinido la manera de pensar, diseñar y materializar desde un zapato, hasta un tablero de ajedrez, una exposición itinerante, un edificio, una ciudad entera.

El equipo de Zaha Hadid utiliza las últimas herramientas de software y experimentación técnica en procesos constructivos y uso y aplicación de materiales. Sus diseños no serían posibles sin las herramientas de modelado 3D y predicción de comportamiento estructural y morfológico. La construcción eficiente de las obras y la concreción de las superficies no serían materializables sin el uso de herramientas BIM (Building Information Modelling). Las técnicas de representación y herramientas de diseño, los procesos constructivos y la tecnología asociada a la fabricación y uso de materiales han dejado de ser un condicionante y una limitación, y se han convertido en aliados y protagonistas de la expresión arquitectónica.

Hacer arquitectura es crear un objeto inerte que a su vez debe funcionar como un organismo vivo; nutrirse del pasado, expresar el presente y ser capaz de sobrevivir al futuro. La naturaleza es intrínsecamente sostenible, bella y perfecta a la vez que funcional y autosuficiente. Para comprender e imitar la coherencia y reproducción paramétrica presente en la naturaleza el hombre ha tenido que nombrar, aprender, explorar y desarrollar herramientas complejas. Emular a la naturaleza, su estructura microscópica, la matemática y la física detrás de la forma, el comportamiento dinámico, la sostenibilidad y su compleja vitalidad, es lo que exhalan las obras de Zaha Hadid.

Zaha Hadid se mueve incesante dentro de la cinta de Moebius que ella misma ha creado, y la reconstruye cada vez, y la materializa a medida que avanza, siempre ella, siempre diferente.

 

Biblioteca Nacional Clorindo Testa

LA BIBLIOTECA NACIONAL DE LA REPÚBLICA ARGENTINA DE CLORINDO TESTA

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Un 10 de abril de 1992 se inauguraba en Buenos Aires la Biblioteca Nacional de Clorindo Testa, 30 años después de que ganara el concurso para llevar a cabo la ejecución del proyecto. Hay edificios que pueden darse el lujo de empezar a vivir fuera de su época, y pareciera que la biblioteca es uno de ellos. Aunque los años 90 no tuvieran nada que ver con la teoría y la expresión arquitectónica del edificio, pensado en los 60, está claro que esta obra singular estaba gestada para transformarse en un emblema más allá de su tiempo.

Ubicada en el barrio de Recoleta, en un emplazamiento privilegiado entre las Avenidas Las Heras y Libertador, en pleno centro porteño, la Biblioteca Nacional se posa elevada sobre cuatro columnas de 6 metros por 6 metros que alojan circulaciones verticales y servicios. El proyecto debía respetar los espacios verdes sobre los que se implantaba, prever futuras ampliaciones, y priorizar qué parte del programa funcional aprovecharía las vistas de la ciudad, los espacios verdes y el Río de la Plata. De esta manera se decidió colocar los depósitos de libros debajo del cero, liberar la planta baja para que existiera una continuidad visual y de uso del suelo y el verde, y elevar el resto de funciones, dotando a las salas de lectura de las mejores condiciones visuales y espaciales.

En este sentido, la planta baja genera una explanada que acoge el acceso y queda liberada para usos públicos educativos, recreativos y culturales, a la vez que regala una quinta fachada, inexistente en la mayoría de edificios, y que no es en este caso la de la cubierta, sino la que vemos cuando, antes de acceder y debajo del volumen macizo rectangular de las salas, nos deleitamos mirando hacia arriba.

Coincidiendo con la época brutalista de Testa, el edificio se muestra crudo y monumental. Muy influido por la teoría y obra del Movimiento Moderno, principalmente por la fuerza expresiva y pureza formal de Le Corbusier, la biblioteca se muestra sin velos ni matices como una escultura de hormigón visto que emerge en el corazón de la ciudad.

Mañana, 11 de abril de 2015, se cumplen 2 años de la muerte del arquitecto y artista Clorindo Testa. Tuvimos la suerte de que dejara la carrera de Ingeniería Naval e ingresara a la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires, y así pudiera dejarnos el legado y la huella perenne de su obra.

Bjarke-Ingels

BJARKE INGELS, O CÓMO TRANSFORMAR EL MUNDO A TRAVÉS DE LA ARQUITECTURA

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Bjarke Ingels, el joven arquitecto danés director del estudio BIG con sede en Copenhague y Nueva York, consigue demostrarnos que el poder de la arquitectura para transformar el mundo existe todavía.

En mis años de facultad, si hay algo que recuerdo, y constituía una constante en mi manera de afrontar cada nuevo proyecto, era el impulso entusiasta que sentía por crear algo que se nutriera de la realidad y sus condicionantes, pero la transformara en algo nuevo. Y eso siempre era más fácil en la cabeza y contado en palabras que materializado en arquitectura.

La filosofía y la obra de Bjarke Ingels son profundamente inspiradoras, y principalmente en ese sentido, en el que los procesos de diseño se nutren de los múltiples condicionantes del emplazamiento, el programa, la función, la historia, el entorno natural y social, y las necesidades del cliente y de la comunidad a diferentes escalas, para convertir la realidad en algo diferente, mejor, inimaginable y tangible a la vez.

Hay varios conceptos que resultan sumamente interesantes en su discurso. Uno de ellos es el hecho de que vivimos, según los geólogos, en una nueva era denominada antropogénica. Esto quiere decir que es la influencia humana el fenómeno más poderoso de nuestro tiempo, y la arquitectura es una de las manifestaciones más protagónicas en esta trasformación del planeta. De alguna manera plantea que la arquitectura le ha dado la vuelta a la teoría de la evolución darwiniana, según la cual las especies sobreviven dependiendo de su capacidad para adaptarse al medio. El hombre ha venido a decir con la arquitectura: es el medio el que se adaptará a mis necesidades, para que yo pueda sobrevivir.

¿Cómo define Bjarke Ingels su manera de pensar y hacer arquitectura? Apuesta por crear una infraestructura social que genere urbes resilientes, ciudades que puedan asumir los cambios, ser parte de ellos de una manera dinámica. Para ello incorpora los conceptos de Open Source y Crowd Source Design. El diseño arquitectónico utiliza para el director de BIG un lenguaje de código abierto en el cual todos los interesados: clientes, residentes, usuarios, vecinos, aportan su visión, su opinión, su identidad, sus necesidades.

El proyecto y las decisiones asociadas a él deben informarse primero, llegando al interior, al núcleo del asunto, nutrirse de todo tipo de información relacionada con el entorno y la problemática, y dar una solución. Nunca estilística, formal, estereotípica, estándar, egocéntrica o autocomplaciente, sino una solución a través de la cual la arquitectura pueda demostrar el enorme poder que tiene y que reside en su increíble capacidad para acercarnos lo más posible al mundo que como especie soñamos habitar.

 

Foster+Partners CABA

BUENOS AIRES ESTRENA SEDE DEL GOBIERNO DE LA CIUDAD DE FOSTER + PARTNERS

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La Ciudad Autónoma de Buenos Aires cuenta con un nuevo edificio para la Jefatura de Gobierno. La sede se encuentra frente al Parque Patricios y fue diseñada por el despacho del arquitecto británico Norman Foster.

Buenos Aires cuenta desde 2013 con la primera obra latinoamericana de Foster + Partners, el edificio de departamentos Faena Aleph, en Puerto Madero. Esta vez, un nuevo icono de diseño arquitectónico, sostenibilidad e innovación tecnológica, marcas personales del arquitecto, suman otro galardón, ya que el edificio para la Sede del Gobierno obtuvo la primera certificación LEED plata que se otorga en Argentina por su eficiencia en el consumo de agua y energía, la utilización de energías alternativas, la selección de los materiales y un uso sostenible del suelo y los recursos.

El edificio se desarrolla en una planta diáfana que tendrá capacidad para 1.500 puestos de trabajo, alojará al Jefe de Gobierno, y contará con un auditorio y espacios multifuncionales abiertos a la comunidad. El emplazamiento en el eje sur de la capital bonaerense forma parte de un plan de revitalización de toda el área, que ha sido históricamente una zona industrial y degradada.

La morfología de la cubierta, una sucesión de bóvedas sinusoidales de hormigón visto, define la identidad del proyecto. Las fachadas longitudinales acristaladas se abren completamente hacia el parque. La retícula modular de columnas se erige vertical entre los troncos y el techo ondula sobre las copas verdes. Mientras las fachadas asoleadas se cubren de lamas, el techo se abre en largos lucernarios dejando entrar el sol a los amplios atrios de cuádruple altura.

Esta obra de Foster + Partners para el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires materializa algunos sustantivos a la perfección: apertura, diálogo, dinamismo, funcionalidad, pureza, eficiencia, transparencia, transformación. Ojalá, y con el tiempo, estas mismas condiciones se transmitan desde la arquitectura hacia la comunidad, y principalmente a quienes ocuparán el edificio, y trabajarán por la ciudad desde sus espacios. Ojalá estos sustantivos puedan dejar de ser descripciones materiales y puedan transformarse en símbolos que expresen lo humano además de lo arquitectónico.

Menlo-Park

MENLO PARK FACEBOOK HQ – FRANK GEHRY

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Mark Zuckerberg quería un edificio simple, racional, efectivo. Un espacio diáfano, sin muros divisorios, y que de alguna manera expresara lo inacabado. Su arquitectura debía tener la estética de aquello que se encuentra en proceso, que no está del todo definido, que no está en absoluto acabado, que es bello a través de su simpleza y que funciona. ¿Podía encargar a Frank Gehry un proyecto con estos condicionantes? Parece que sí.

El encargo de las nuevas oficinas de Facebook en Menlo Park llevó a Frank Gehry a buscar en los orígenes de su propio trabajo y despojarse de su marca personal posmoderna y extravagante, para dar solución a un programa simple que exigía una respuesta austera. 130.000 m² de superficie distribuidos en tres capas superpuestas, oficinas en el centro, debajo el parking, encima una gran explanada, un nuevo parque lineal arbolado.

En el interior, el espacio dialoga entre lo general y lo particular, es un todo que a la vez expresa individualidades. Con capacidad para 2.800 puestos de trabajo compartiendo un espacio único e igualitario, la huella particular y colorista de artistas locales y algunos empleados ha plasmado la idea de que hay sitio para la singularidad. De alguna manera la arquitectura refleja la propia mecánica y la filosofía detrás de la red social: una plataforma abierta e ilimitada formada por entidades autónomas y singulares.

En palabras del propio Zuckerberg, el edificio tenía un claro propósito: reflejar cuánto trabajo queda por delante en su misión de conectar al mundo.